Thiên tài nghệ thuật của Pablo Picasso (1881–1973) đã tác động đến sự phát triển của nghệ thuật hiện đại và đương đại với tầm vóc vô song. Sản lượng dồi dào của ông bao gồm hơn 20.000 bức tranh, bản in, bản vẽ, tác phẩm điêu khắc, gốm sứ, bộ rạp hát và trang phục truyền tải vô số thông điệp về trí tuệ, chính trị, xã hội và tình yêu. Phong cách sáng tạo của ông vượt qua chủ nghĩa hiện thực và trừu tượng, Chủ nghĩa lập thể , Chủ nghĩa tân cổ điển, Chủ nghĩa siêu thực và Chủ nghĩa biểu hiện. Sinh ra ở Málaga, Tây Ban Nha, vào năm 1881, Picasso học nghệ thuật một thời gian ngắn ở Madrid vào năm 1897, sau đó ở Barcelona vào năm 1899, nơi ông trở nên thân thiết với một nhóm các nhà thơ, nhà văn và nghệ sĩ hiện đại tụ tập tại quán cà phê Els Quatre Gats (The Four Cats), bao gồm cả Carlos Casagemas người Catalan (1880–1901).
Sống xen kẽ ở Paris và Tây Ban Nha cho đến năm 1904, công việc của ông trong những năm này gợi lên cảm giác hoang tàn và tăm tối một phần được lấy cảm hứng từ cái chết của người bạn Casagemas. Các bức tranh của Picasso từ cuối năm 1901 đến khoảng giữa năm 1904, được gọi là Thời kỳ Màu xanh của ông, mô tả các chủ đề về nghèo đói, cô đơn và tuyệt vọng. Trong Bữa ăn của người mù ( 50.188 ) từ năm 1903, ông sử dụng một loạt các điệu nhạc blu để thể hiện một cách nhạy cảm một nhân vật cô đơn bị cản trở bởi tình trạng của mình khi một tay cầm vỏ bánh và lúng túng nắm lấy bình đựng bằng tay kia. Cơ thể thon dài, hình xoắn ốc của El Greco (1540 / 41–1614) truyền cảm hứng cho các đặc điểm méo mó của người đàn ông.
Picasso chuyển đến Paris vào năm 1904 và định cư tại khu nghệ sĩ Bateau-Lavoir, nơi ông sống giữa các nhà thơ và nhà văn phóng túng như Guillaume Apollinaire (1880–1918) và Max Jacob (1876–1944). In At the Lapin Agile ( 1992.391) từ năm 1905, Picasso hướng sự chú ý của mình đến những chủ đề dễ chịu hơn như người biểu diễn lễ hội, người giả và chú hề. Trong bức tranh này, ông đã sử dụng hình ảnh của chính mình cho hình tượng người đàn bà và từ bỏ màu xanh lam khó chịu để chuyển sang các màu sặc sỡ, chẳng hạn như màu đỏ, để kỷ niệm cuộc đời của những người biểu diễn xiếc (được gắn nhãn rõ ràng là Thời kỳ Hoa hồng của ông). Tại Paris, ông tìm thấy những người bảo trợ tận tình là anh chị em người Mỹ Gertrude (1874–1946) và Leo (1872–1947) Stein, những người có tiệm làm đẹp vào buổi tối thứ Bảy tại nhà của họ ở số 27, rue des Fleurus là nơi ươm mầm tư tưởng nghệ thuật và trí tuệ hiện đại. Tại Steins, ông gặp các nghệ sĩ khác sống và làm việc trong thành phố — thường được gọi là Trường học Paris — chẳng hạn như Henri Matisse (1869–1954). Được vẽ vào năm 1905–6, Gertrude Stein (47.106 ) ghi lại niềm đam mê mới của Picasso với tác phẩm điêu khắc Iberia thời tiền La Mã và nghệ thuật Châu Phi và Châu Đại Dương. Tập trung vào trực giác hơn là quan sát chặt chẽ và không hài lòng với các đặc điểm trên khuôn mặt của Stein, Picasso đã sửa lại hình ảnh của cô thành một biểu hiện giống như mặt nạ được kích thích bởi thuyết nguyên sinh. Ảnh hưởng của nghệ thuật Châu Phi và Châu Đại Dương được thể hiện rõ ràng trong kiệt tác Les Demoiselles d'Avignon (1907; Bảo tàng Nghệ thuật Hiện đại, New York) của ông, một bức tranh báo hiệu các giai đoạn sơ khai của Chủ nghĩa Lập thể. Ở đây, cách sắp xếp hình gợi nhớ lại các tác phẩm của Cézanne về những người tắm, trong khi về mặt phong cách, nó bị ảnh hưởng bởi chủ nghĩa nguyên thủy, thể hiện rõ ràng bởi các mặt phẳng góc cạnh và các đường viền được xác định rõ ràng tạo nên sự vững chắc về mặt điêu khắc trong các hình.
Các nguyên tắc cơ bản của Chủ nghĩa Lập thể Phân tích (1910–12), với sự phân mảnh của các dạng ba chiều trên một mặt phẳng hình ảnh hai chiều, được thể hiện trong Tĩnh vật với một chai rượu Rum ( 1999.363.63 ), vẽ năm 1911. Các kỹ thuật của Chủ nghĩa Lập thể Phân tích được phát triển bởi Picasso và nghệ sĩ người Pháp Georges Braque (1882–1963), hai người gặp nhau vào năm 1907. Chai và ly rượu trên bàn ( 49,70,33 ) của Picasso năm 1912 là một ví dụ ban đầu của Chủ nghĩa Lập thể Tổng hợp (1912–14 ), một người viết giấytrong đó anh ấy dán giấy in báo và giấy màu lên vải. Picasso và Braque cũng bao gồm các thành phần xúc giác như vải trong các tác phẩm Lập thể tổng hợp của họ, và đôi khi sử dụng hiệu ứng trompe-l'oeil để tạo ảo giác về các vật thể và kết cấu thực, chẳng hạn như thớ gỗ.
Sau Chiến tranh thế giới thứ nhất (1914–18), Picasso quay lại với các phong cách truyền thống, ít thử nghiệm hơn với Chủ nghĩa Lập thể. Vào đầu những năm 1920, ông đã nghĩ ra một biến thể độc đáo của chủ nghĩa cổ điển bằng cách sử dụng các hình ảnh thần thoại như nhân mã, minotaurs, tiên nữ và vòi lấy cảm hứng từ thế giới cổ điển của Ý. Trong cách thể hiện mới mẻ này, được gọi là Thời kỳ Tân cổ điển của mình , ông đã tạo ra những bức tranh dành riêng cho tình mẫu tử lấy cảm hứng từ sự ra đời của cậu con trai Paulo vào năm 1921 (đứa con đầu lòng của ông trong số 4 đứa con của 3 người phụ nữ). Woman in White ( 53.140.4 ) năm 1923 cho thấy một người phụ nữ mặc một chiếc váy trắng cổ điển, giống toga, đang yên tĩnh trong tư thế trầm ngâm với mái tóc bù xù, gợi lên một chất trữ tình dịu dàng và tinh thần dịu dàng của phụ nữ. Vào cuối những năm 1920, Picasso đã vẽHình ảnh siêu thực và các kỹ thuật để tạo ra hình ảnh về các nhân vật bị biến dạng và bị bóp méo. Trong Nude Standing by the Sea ( 1996.403.4 ) năm 1929, nhân vật của Picasso kể lại tư thế cổ điển khi đứng khỏa thân với cánh tay giơ lên, nhưng cơ thể của cô ấy sưng lên và sắp xếp lại một cách quái dị.
Vào đầu những năm 1930, Picasso đã chuyển sang màu sắc hài hòa và các đường viền uốn lượn gợi lên một sự gợi cảm sinh học tổng thể. Ông vẽ cảnh những người phụ nữ có mái đầu rũ xuống và vẻ gợi cảm nổi bật với cảm giác lạc quan và tự do mới mẻ, có lẽ được truyền cảm hứng từ mối tình của ông với một phụ nữ trẻ (một trong vô số tình nhân của Picasso) tên là Marie-Thérèse Walter (1909–1977). Reading at a Table ( 1996.403.1 ) từ năm 1934 sử dụng những màu sắc đậm và đường cong nhẹ nhàng để miêu tả Marie-Thérèse ngồi trên một chiếc bàn quá khổ, nhấn mạnh tuổi trẻ và sự ngây thơ của cô.
Mặc dù vẫn sống ở Pháp vào những năm 1930, Picasso vô cùng đau buồn trước sự bùng nổ của Nội chiến Tây Ban Nha năm 1936. Ông đã phản ứng bằng một loạt các bức ảnh đầy cảm xúc, chẳng hạn như Giấc mơ và Lời nói dối của Franco ( 1986.1224.1 [2] ), mà đỉnh điểm là bức tranh tường khổng lồ Guernica (1937; Bảo tàng Quốc gia Reina Sofía, Madrid), được vẽ bằng một bảng màu xám rực rỡ. Bức tranh này, đóng góp của Picasso cho Gian hàng Tây Ban Nha trong Triển lãm Đại học 1937 ở Paris, là một tác phẩm phức tạp có tỷ lệ kinh hoàng với các lớp biểu tượng phản chiến phản đối cuộc đảo chính phát xít do Generalissimo Francisco Franco lãnh đạo.
Từ cuối những năm 1940 đến những năm 60, năng lượng sáng tạo của Picasso không bao giờ suy giảm. Sống ở miền Nam nước Pháp, ông tiếp tục vẽ tranh, làm gốm sứ và thử nghiệm in ấn. Danh tiếng quốc tế của ông tăng lên với các cuộc triển lãm lớn ở London, Venice và Paris, cũng như các cuộc hồi tưởng ở Tokyo vào năm 1951, và Lyon, Rome, Milan và São Paulo năm 1953. Một cuộc hồi tưởng ở New York tại Bảo tàng Nghệ thuật Hiện đại năm 1957 đã thu hút được một lượng lớn sự chú ý, với hơn 100.000 người truy cập trong tháng đầu tiên. Cuộc triển lãm này củng cố sự nổi bật của Picasso khi các bảo tàng và nhà sưu tập tư nhân ở Mỹ, Châu Âu và Nhật Bản tranh nhau mua các tác phẩm của ông.
Trong Faun with Stars ( 1970.305 ) từ năm 1955, Picasso quay trở lại các chủ đề thần thoại được khám phá trong các bức tranh ban đầu. Một lần nữa, kết hợp kinh nghiệm cuộc sống vào bức tranh của mình, ông đã khơi gợi sự say mê của mình với một tình yêu mới, một phụ nữ trẻ tên là Jacqueline Roque (1927–1986), người trở thành vợ thứ hai của ông vào năm 1961 khi nghệ sĩ bảy mươi chín tuổi. Picasso tượng trưng cho mình như một người đàn ông cuồng tín, điềm tĩnh và lạnh lùng đang nhìn với sự tự tin và khôn ngoan trưởng thành trước một tiên nữ thổi nhạc cụ của mình lên các vì sao. Bức tranh thể hiện tình yêu say đắm của anh dành cho Jacqueline.
Ngay cả khi ở tuổi tám mươi và chín mươi, Picasso đã tạo ra một số lượng lớn các tác phẩm và gặt hái được những lợi ích tài chính từ thành công của mình, tích lũy tài sản cá nhân và một bộ sưu tập nghệ thuật tuyệt vời của riêng mình, cũng như tác phẩm của các nghệ sĩ khác. Ông mất năm 1973, để lại một di sản nghệ thuật tiếp tục vang xa cho đến ngày nay trên toàn thế giới.
NHỮNG TÁC PHẨM NỔI BẬT NHẤT CỦA PICASSO
0 nhận xét :
Đăng nhận xét